アートの定義

 今までの考察の中で、アートの定義を


・アートは過去のメディアと未来のメディアにおいて表現されるもの
・個人の表現であるが、個人を超えた(精神性の)広がりを持つもの
・長期的な市場価値を持つもの


としてきた。


次に、大衆芸術について考察していきたい。

大衆芸術、つまりエンタテインメントに属するものは、
小説、映画、漫画、テレビドラマ、アニメ、ゲーム、大衆音楽(歌謡曲)などであろう。
小説は、純文学と大衆文学に分かれるので、純文学はどちらかというとアート志向である。

どちらにせよ、
主流のメディアの中で流通するものであり、集団的な工程で製作される、又は流通されるもので、
産業として成立しているのものだと言える。

アートとエンタテイメントは、創作物として価値の高低を計れるものではない。
例えば、アートをハイカルチャーとし、エンタテインメントをサブカルチャーとして位置づけるものもあるが、
産業規模の大きさで言うと、明らかにエンタテインメントが主であり、アートは副である。
関係している人も圧倒的に、エンタテインメントの方が多い。
しかし、その中でも小説や映画のような比較的古いものは高尚で社会的価値が高く、
漫画、アニメ、ゲームなど比較的新しいものは通俗で社会的価値が低い、とされているようなところがある。
それは、エンタテインメントのアート化だと言ってもよいだろう。だから、そこにもメディアの新旧が影響しているのだ。


なにゆえ、同じ表現の中で、このような二つの考え方が生まれたのか。
その歴史はそれほど長くはなく、近代において形成されたものであろう。
つまり、大衆が誕生したことで、産業としてのエンタテインメントが要請されたわけである。

アートは、非大衆的で特権的なもの、という要素が大きい。
消費者は、上流階級のものである。

どちらにせよ、大衆の誕生が、逆説的に、王や貴族、資本家という特権階級に由来するアートを、
非大衆的なものとして浮かび上がらせたということになる。

アートは個人の表現か

 さて、ここではたして本当にアートは個人の表現か、という疑問にぶちあたる。また、高額で取引される作品がアートとして価値が高いかということも疑問である。

 まず、少なくとも、個人の内面を表現する、というような考え方で作られた作品は近代以降のものであろう。それまでは、宗教の伝達や為政者の政策や威光、資本家の財力などを表現したものだった。
 なかでも、仏教関連で禅のような見性の程度を表現するものとし描かれたものは、その表現力は、その画家の内面の悟りと正比例する。だからこそ、高名な画家の作品は、心を打つものがある。それは、一見、個人の表現だが、個人の世界観を超えたものを目指して作られたものなので、明らかに表現の質が異なる。彼らは、画家の前に僧侶であった。


 一方、近代において、芸術のための芸術となり、宗教観に基づかない個人の表現や、芸術を成り立たせる制度に焦点をあてた形式的な表現になり、情緒性と観念性の高いものになってしまった。

 近代の初期に作られたものは、表現の拡張期にあるものであり、見ていても面白いが、あくまでそれは、様々な手法が拡張していったのであって、逆に表現される内容は、個人的なものになっていく、という逆説があったように思う。
次第に、表現の多様性が精神性の高さや広がりと比例しなくなってしまったのではないかと思う。


 さらに、彼らの努力で市場が確立され、市場で高額で取引されるものを目指して作品が作られるようになるとさらにその志向性は歪む。近代の初期の作品がもっとも高額であるように、その当時の画家達は、それらの新しい表現を需要する市場がほとんどない時代に作られたものであり、市場を意識していたわけではない。
 あくまで、新しい表現を求めて作られたのだ。そして、個人の表現と言っても、著名な画家の思想をつぶさに見ていくとそこには、宗教性や哲学性を多分に持っている。新しい表現もさることながら、やはりその精神性が心を打っているのだ。
 
 もし、市場で高額に取引される作品を目指して作られていたとしたら、短期的に市場価値を生んだとしても、長期的に見た場合、市場価値が減退するという現象が起こるだろう。

 結局のところ、個人の表現でありながら、個人を超えるものこそが、アートとしての価値があると思われる。

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メディア・アート

 主流のメディアから時代遅れになったものが、アートのメディアになる、という流れとは逆に、最先端の技術をアートに応用するというものもある。
 最近では、コンピュータを用いた、メディア・アートやインタラクティブ・アートなどは、最先端の技術をアートにしたものだ。

 しかしながら、逆説的にアートの表現の主流にはなりえない。やはり、大衆的な技術になって初めてアートのメディアとして主流になる。

 ただし、そのような最先端のアートの試みられた様々な表現は、産業的なメディアにまず回収されていく。例えば、Google EarthiPhoneのような技術は、10年以上作られてきた、メディア・アートの作品の要素が多く含まれる。
 それらが、ようやくメディアの主流となりはじめたのが現在である。

 このプロセスを経て、インターネットやiPhoneが、主流ではなくなった頃になって、はじめてアートとして新しい価値を模索する時期に入るのではないか。

 どちらにせよ、その違いは、マスとしての産業か、個人的な表現か、ということになる。
 

イームズ夫妻の「パワーズオブテン」は、メディアアートの元祖的な作品で、地球から宇宙、さらにミクロの世界までもズーミングしながら通観する映像作品で、多くのメディアアーティストの作品に引用されてきたが、Google Earthズーミングは、まさに、「パワーズオブテン」の完全デジタル化と言ってもよい。

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アートの価値

 今日のアート市場において、一番価値のあるものと言えば、モネ、ゴッホセザンヌのように、19世紀末から20世紀はじめに生まれたものだろう。
 しかし、それは19世紀に写真が発明されたために、肖像画のような需要がなくなり、写真のような写実的価値ではない価値を生み出す必要にかられたからである。
 つまり、実用の産業の地位から落ちたことによって、アートとしての新しい価値を見出すことに移行したのだ。
 肖像画は、今日に至るまで、町の写真館が担ってきている。それは、証明写真からプリクラのような実用からエンタテインメントにまで拡張している。

 しかし、フィルム写真もまた、まずモノクロ、次にカラー写真までアートに含まれるようになった。それも報道的地位が映像やデジタルに代わったからである。

 なぜ、メディアは、主流ではなくなった瞬間に、アートのメディアになるのだろうか。
印刷も最近、活版印刷などが見直されているが、それも電子写植からDTPに移行し、過去の技術になったからである。

 そのように、メディアとして主流ではなくなったものに、アートのような個人の表現を見出すということを繰り返されるだろう。アートはそのように遅延したメディアとして新たな価値を生み出していくのだろうか。

美大卒

Y君の美大卒の学歴の役立たなさについては僕らの間で何度もやりとりされた内容だが感慨深いものがある。また、その役立たなさも、短期的なことであって、長期的には役立っているということだ。
そのとおりだと思う。

最近、めっきり現代美術を目指す人間がいなくなったな、とこの前話ばかりだが、この不況下に、武士は食わねど高楊枝で、「(自称)アーティスト」であるというプライドのみの虚飾の世界にあこがれるやつはまあいない。

1965年生まれのヤノベケンジの世代をもって、日本の現代美術というジャンルは、一区切りしたと言っていいだろう。
すでに、アートの国際マーケットも開かれているわけだし、日本というくくりで考える必要はまったくないし、そもそも日本には最初から最後までマーケットがほとんど開拓されなかったと言ってよいだろう。

その原因として、岡本太郎が、作品を売らなかったものだから、基準が生まれなかったというのが結構大きいのではないかと僕はふんでいる。

アンデパンダン展の残滓だった貸画廊といういびつな制度は、バブルの崩壊を機に廃れていき、その余波でアワードも廃れていった。

その後の僕らは、結局、新しいジャンルのコンピュータに活路を見出したわけだが、案外、コンピュータサイエンスの人間でアートを深く知っている人間は少なく、その逆もまた少ないわけで、Y君などは貴重なポジションにいると思う。

どちらにせよ、これからは一つの専門分野だけはなく、その横断的な知にこそ価値があるわけで、彼の得た道が両方活きることになったのも、そのようなジャンルをまたがった複眼的な思考の希少価値によるものなのだ。

だから、一度中断した道を次の道で活かしたいならば、そのような横断的な思考をも持ち続けることが重要なのではないかと思う。

ヤノベケンジ1969‐2005

ヤノベケンジ1969‐2005

芸術起業論

芸術起業論

「日本美術」誕生

 絵画とは何か?日本画、洋画の言葉と概念は、何時誕生したのか?混乱の中で誕生した日本の近代美術形成の謎を、言葉の中から丁寧に掘り起こした<日本美術>の概念史。
 近世から近代にかけて、写実主義や言文一致体、かな漢字交じり文など、近代文学が抱えた西洋思想の翻訳と日本語への対比と融合という同様の問題を、<日本美術>も抱えていた。
 それらを絵画の内容ではなく、そこで使われている言葉と概念から問題を洗い出すことを試みた画期的な論。

〈日本美術〉誕生 (講談社選書メチエ)

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バリ島芸術をつくった男―ヴァルター・シュピースの魔術的人生

 南国の観光名所として知られるバリ島。芸能の島としても有名であり、その中でもケチャック・ダンス(ケチャ)はその代表的な舞台芸術である。しかし、ケチャを今日のスタイルに昇華させたのは、一人のオランダ人芸術家だった。
 また、それは映画や万博によって要請された近代的の産物であったのだ。
 バリ島とバリ人を愛し、バリに溶け込み、そして西欧とバリをつなぐ新しい芸能を作り上げた男。その波乱に満ちた人生の魅力を美学的なセンスで解き明かした良作。
 ガムラン音楽を自在に弾きこなし、音楽監督、作曲も行った卓越した音楽的資質、優れた写真を撮影した光学的センス、クレーンやカンディンスキーゴーギャンやルソーとは違った音楽との共感覚を元にした絵画、魔術的な空間が満ちた南国、バリ島を描写する独特な絵画、音楽家舞台芸術家、画家など様々な顔を持つシュピースが到達した可能性の地平を活写した。それはそのままバリ島という魅力に満ちた地霊の可能性でもある。

 人類学者のグレゴリー・ベイトソンとマーガレット・ミードの交流と軋轢の描写も興味深い。